Light in Art: Perception and the Use of Light in the History of Art
Ta pełna ilustracji, oszałamiająco oryginalna książka przedstawia rolę światła w sztuce na przestrzeni dziejów. Ta bogato ilustrowana książka zabiera czytelników na wycieczkę po historii sztuki, aby dowiedzieć się, w jaki sposób artyści wykorzystywali światło (i jego brak jako cień), aby wypowiedzieć się na temat ich tematu lub stworzyć określony nastrój, z przykładami mistrzów takich jak Giotto, Botticelli, Caravaggio, Vermeer, Courbet, Turner, Klimt i wielu innych, a także teoretyczne podejścia, począwszy od Platona i Arystotelesa, przechodząc do Kartezjusza, Newtona, Goethego i Chevreula.
Na przestrzeni dziejów artyści bawili się światłem, traktując je zarówno jako temat, jak i narzędzie do tworzenia pożądanej atmosfery, przekazywania idei i inspirowania emocji u widza. W średniowiecznych freskach promienie światła oznaczały obecność boskości, podczas gdy XVII-wieczni holenderscy malarze używali światła do wskazywania głębi i budowania efektownej scenerii. Impresjoniści chcieli przedstawić samo światło i sposób, w jaki gra ono na powierzchniach obiektów w postaci koloru.
Fotografia i film wykorzystywały światło, zarówno naturalne, jak i sztuczne, aby przede wszystkim uczynić rzeczy widocznymi. Ten tom zagłębia się w te i wiele innych tematów i stanowi doskonałą książkę referencyjną dla artystów, studentów, naukowców i miłośników sztuki.